Une nouvelle exposition au FIT examine les années 1990 toujours séduisantes comme une ère de réinvention et d’agitation

Pour ou contre, les visiteurs auront certainement des opinions bien arrêtées sur « La mode dans les années 90 », la nouvelle exposition du Museum at FIT. La décennie qui nous a donné le grunge et le glamour a été culte sur Tumblr, Reddit et Instagram au point où chacun semble avoir sa propre «playlist» essentielle. « Les gens entrent et regardent l’une de ces sections et disent: » Je n’aurais pas inclus cela, mais j’aurais inclus cette robe Calvin Klein « , et c’est vraiment amusant », déclare la conservatrice Colleen Hill. « Et j’espère que les gens partageront ça avec moi. »

Les visiteurs ne doivent pas s’attendre à une rétrospective en soi. Le point de départ de l’exposition sont des objets dans les fonds du musée (complétés par quelques prêts) que Hill a organisés dans un cadre informé par le journalisme et l’analyse de cette époque. L’exposition et le catalogue sont organisés en deux thèmes principaux, la réinvention et l’agitation, chacun contenant quatre sous-tendances. La première galerie jette les bases de l’explosion de l’industrie dans les années 1990, abordant les mannequins, la télévision et le cinéma de mode, et l’atricalisation des spectacles qui ont été vus par un public plus large et plus général que jamais auparavant. (Écoutez le podcast En vogue : les années 1990 pour en savoir plus sur ces thèmes.)

Le minimalisme est à la tête des tendances que Hill attribue à la section Réinvention, qui était apparemment une réaction à l’opulence des années 1980, bien qu’en peu de temps «l’esthétique subtile soit devenue une nouvelle expression de richesse», écrit-elle. Vient ensuite le grunge, qui continue d’influencer la façon dont nous nous habillons malgré le fait qu’il s’agit d’un « blip » (selon les mots de Hill) dans l’industrie. « C’était quelque chose qui venait bien sûr de la rue et qui a fait son chemin dans la haute couture, puis est revenu en quelque sorte dans la tenue de tous les jours », dit-elle, « mais c’était quelque chose que tout le monde pouvait se permettre. Tout le monde pouvait y croire, tout le monde pouvait faire un look grunge, et il n’était pas nécessaire que ce soit les plusieurs milliers de dollars de Perry Ellis [by Marc Jacobs] version. » (Il y en a un à l’affiche, ainsi qu’un aperçu de l’émission grunge d’Anna Sui.)

Tout comme le grunge a contribué à rompre avec les idéaux de beauté du passé, des créateurs comme Rei Kawakubo, Hussein Chalayan et Martin Margiela ont exposé les «os» du vêtement avec des vêtements eux-mêmes déformés ou qui déformaient le corps – voir en particulier: Kawakubo’s  » Body Meets Dress, Dress Meets Body », collection du printemps 1997. En même temps que ces créateurs indépendants prospéraient, l’industrie du luxe se consolidait alors que de nouveaux talents passionnants comme John Galliano et Alexander McQueen fabriquaient des maisons du patrimoine français, souvent avec choc. et tactiques de crainte.

Cependant, il ne serait pas correct de dire que c’était fini avec l’ancien et avec le nouveau, car le travail de ces designers, et de bien d’autres, consistait souvent à piller le passé. Une seule collection peut faire référence à plus d’une décennie. Certaines de ces références maniaques avaient certainement à voir avec le fait que les années 1990 étaient «la fin d’une décennie, la fin d’un siècle, la fin d’un millénaire», note Hill. Les designers faisaient face à un avenir inconnu. À l’époque, l’an 2000 était une menace technologique, pas une esthétique.

L’agitation est le deuxième thème principal de l’exposition, dans lequel le conservateur explore quatre sous-sujets : les renaissances rétro, la technologie, l’environnementalisme et la réutilisation, et la garde-robe globale. C’est trop dire que les designs futuristes s’opposaient à l’exploration des modes passées par les designers. Les pièces de circuits imprimés de McQueen pour les bodys « Mad Max » de Givenchy et Jean Paul Gaultier étaient largement symboliques, surtout en contraste avec le changement radical que les communications numériques et l’Internet en plein essor auraient sur la mode. À vrai dire, nous n’avons pas encore vu une intégration transparente de la technologie et du design, ce qui rend l’inclusion d’une robe de 1996, une collaboration entre la ligne Pleats Please d’Issey Miyake et l’artiste Yasumasa Morimura, qui a utilisé des plissages et des impressions sophistiqués. techniques, particulièrement bienvenues.